Nella sua dimensione politico-simbolica, il dolore che proviamo quando guardiamo Guernica si trasforma anche in un lamento contro la violenza. Il dipinto fu originariamente creato in risposta alla violenza fascista che portò la Spagna in guerra nel 1937, ma fu solo intorno alla guerra del Vietnam, iniziata nel 1966, che il dipinto iniziò a guadagnare slancio come icona politica. Da allora, Guernica è apparsa in disegni, poster e striscioni in manifestazioni contro i conflitti armati internazionali.
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Naturalmente, l’arte politica non finisce con Guernica. Negli ultimi 100 anni, gli artisti sono stati manifestanti espliciti su questioni che vanno dai diritti LGBTQ+ e femminismo alla parità di retribuzione e antirazzismo. Le opere d’arte di protesta possono mettere in discussione, disturbare e persino cambiare lo status quo. Ad esempio, silenzio=morte divenne lo slogan di Keith Haring per la consapevolezza dell’AIDS negli anni ’80. Le Guerrilla Girls hanno combattuto per la rappresentanza delle artiste donne nelle gallerie e Ai Wei Wei si è costantemente espressa contro il governo cinese.
Uno degli ultimi e più intriganti progetti di questo tipo è Artists for Biden, una vendita online ospitata da Platform.art di David Zwirner a beneficio del Biden Victory Fund. È un’iniziativa di raccolta fondi verificata per aiutare a mobilitare risorse essenziali per aiutare i democratici a vincere le elezioni del 2020. Oltre cento importanti artisti contemporanei hanno donato le loro opere per aiutare gli sforzi.
L’arte come pura evasione estetica
Nonostante l’innegabile ruolo importante che l’arte può svolgere nel cambiamento sociale, nella protesta e nella consapevolezza politica, molti di noi gravitano verso l’arte non per la politica o la protesta, ma per un tipo di conforto derivato dall’estetica. Potremmo persino usare l’arte per trovare conforto in un mondo instabile e talvolta minaccioso.
Prendiamo ad esempio la mostra Infinity Rooms di Yayoi Kusama alla Tate Modern. Le orde di persone in coda per vedere le sue installazioni e i suoi ambienti meravigliosamente psichedelici e immersivi erano molto probabilmente alla ricerca di una forma di evasione dalla quotidianità; una nuova esperienza che ti allontana dai pesi banali, nel migliore dei casi, e preoccupanti, nel peggiore, della vita quotidiana.
In effetti, l’arte per l’arte (dal francese l’art pour l’art), nota anche come The Aesthetic Movement, permeò la cultura britannica durante la seconda parte del XIX secolo e finì per diffondersi in altri paesi come gli Stati Uniti. Basandosi sull’idea che la bellezza fosse l’elemento più importante della vita, gli artisti cercarono di creare opere che fossero ammirate semplicemente per la loro bellezza piuttosto che per un messaggio morale o politico superiore. In sostanza, gli artisti che presero parte a questo movimento sostenevano che le arti dovessero essere giudicate in base alla forma piuttosto che alla moralità.
Henri Matisse dichiarò notoriamente di aver sognato un’arte “priva di argomenti inquietanti o deprimenti… un’influenza lenitiva e calmante sulla mente, un po’ come una buona poltrona”.
Tuttavia, è importante considerare che i principi stessi dell’estetica non sono necessariamente in contrasto con la responsabilità politica. Anche le installazioni luminose, che sembrano puramente ispiratrici e belle, possono avere i loro significati politici, perché non si può mai essere certi di cosa abbia ispirato l’artista in primo luogo, e potrebbe anche essere stato politico (anche nel senso minore del termine, o a livello subconscio).
Quindi dovremmo abbracciare l’arte politica e di protesta, o l’arte dovrebbe essere focalizzata esclusivamente sul puro estetismo e piacere? Questa, ovviamente, è una questione di preferenze e gusti personali. Tuttavia, vale la pena notare che in tempi incerti come quelli che stiamo vivendo oggi, sia dal punto di vista socio-economico che politico, i tempi terribili possono a volte ispirare l’eccellenza creativa e agire come forze per un potente cambiamento.
